Autor: Luigi Manzoni

Being part of a global Adidas Originals campaign — the one for the iconic Superstar — was one of those moments you don’t see coming. And the most important part for me: I did it representing Paraguay.

A global campaign

The campaign brought together figures from around the world. I represented Paraguay alongside national figures like Mauri Roman (Villagrán) and Matías Galarza (footballer), and shared the global campaign with names like Kendall Jenner, Jennie (BLACKPINK), Lamine Yamal, James Harden and Olivia Dean.

Seeing my name next to that list still feels hard to process. It’s not just another ad — it’s one of the biggest brands in the world telling a global story, and choosing to give that story a Paraguayan accent.

What this means for the local scene

A Paraguayan artist entering that world says something about where our music is right now. For years I worked thinking opportunities like this were for other countries, other scenes. This campaign proved me wrong.

Every door that opens this way isn’t just mine — it belongs to an entire scene that’s been pushing hard, showing that Paraguay can also reach global stages.

Bringing Paraguay to the world

This campaign comes alongside another recent milestone in my career: becoming the first Paraguayan artist on Ibanez’s global roster. Two recognitions that arrived almost at the same time, and that mean the same thing to me: that sustained work, done from here, can also reach an international audience.

You can read the rest of my story here.

Also available in Spanish.

For many years I had a deeply rooted idea of what it meant to be a professional producer.

I thought that working at the highest level required my own place, a perfect room, specific gear, and a space where everything was under control.

Over time I understood something different.

A studio is a tool.

But judgment, experience and the ability to solve problems are a producer’s real tools.

Learning to work with what you have

For more than a decade I worked professionally in music production, mixing and mastering.

My path was mostly self-taught.

There’s something special about that: it forces you to develop your own judgment.

When you don’t always have ideal conditions, you learn to listen more.

You learn to solve problems.

You learn to understand what’s actually important and what’s just a comfort.

Many times I had to tackle a production from a laptop, with whatever resources I had available at that moment.

And that experience ended up becoming part of how I work.

The challenge of not having a fixed base

I didn’t always have my own studio.

For years I kept building different home studios.

I worked out of apartments, houses, and spaces adapted to host artists.

Every place had its own challenges.

Neighbors.

Outside noise.

Rooms that weren’t acoustically designed.

Space limitations.

But every one of those places taught me something.

I learned to know my tools.

I learned to trust my decisions.

I learned not to depend entirely on a room to know if something works.

The laptop as a portable studio

Today technology allows something that seemed impossible years ago.

A producer can carry most of their studio inside a laptop.

A session can travel.

Projects can open in different places.

Ideas can continue in a hotel room, a rented studio, or a room completely different from the usual one.

That creates a new way of working.

The studio stops being only a physical space.

It becomes a way of thinking.

The freedom of the nomadic producer

There’s an interesting contradiction here.

On one hand, having your own place is a natural dream.

A space designed exactly for your needs.

A room where everything is set up.

A place you can walk into and work without thinking about anything else.

But at the same time, there’s something liberating about the nomadic side of it.

Changing spaces.

Getting to know other studios.

Working with other people.

Listening in different rooms.

Breaking the routine.

Many times, stepping away from your usual place also forces you to listen with different ears.

Getting ready for any studio

Working as a nomadic producer requires one important skill: adapting.

Walking into a new studio means quickly understanding:

• How the room responds.
• What monitoring system is available.
• What tools you have access to.
• How to organize the session.
• How to keep the creative flow going.

Experience lets you walk into different places and feel comfortable.

Because in the end it’s not just about the gear.

It’s about knowing what to do with it.

A studio of my own, and the next chapter

After many years of moving around, I’m currently in the process of building a new studio of my own.

Not out of a need for a place to validate my work.

But from the experience of knowing exactly what I need.

Every move.

Every room.

Every limitation.

Every improvised solution.

They all taught me what a space designed for the way I work actually needs to have.

Your own studio comes after the learning, not before it.

The real tool

In the end, a producer isn’t just someone who works inside a room.

It’s someone who carries a way of listening with them.

The space helps.

The gear helps.

The acoustics help.

But the ability to make decisions, interpret a song and solve problems is something that travels with you.

Being a nomadic producer taught me exactly that: before you build a studio, you have to build a way of working.

Also available in Spanish.

Durante muchos años tuve una idea muy arraigada sobre lo que significaba ser productor profesional.

Pensaba que para trabajar al máximo nivel necesitaba un lugar propio, una sala perfecta, equipos específicos y un espacio donde todo estuviera bajo control.

Con el tiempo entendí algo diferente.

Un estudio es una herramienta.

Pero el criterio, la experiencia y la capacidad de resolver problemas son las verdaderas herramientas de un productor.

Aprender a trabajar con lo que hay

Durante más de una década trabajé profesionalmente en producción musical, mezcla y masterización.

Mi camino fue principalmente autodidacta.

Eso tiene algo muy especial: te obliga a desarrollar tu propio criterio.

Cuando no tenés siempre las condiciones ideales, aprendés a escuchar más.

Aprendés a resolver.

Aprendés a entender qué es realmente importante y qué es solamente una comodidad.

Muchas veces tuve que enfrentar una producción desde una computadora, con los recursos que tenía disponibles en ese momento.

Y esa experiencia terminó formando parte de mi manera de trabajar.

El desafío de no tener una base fija

No siempre tuve un estudio propio.

Durante años fui construyendo distintos home studios.

Trabajé desde departamentos, casas y espacios adaptados para recibir artistas.

Cada lugar tenía sus propios desafíos.

Vecinos.

Ruidos externos.

Habitaciones que no estaban diseñadas acústicamente.

Limitaciones de espacio.

Pero cada uno de esos lugares me enseñó algo.

Aprendí a conocer mis herramientas.

Aprendí a confiar en mis decisiones.

Aprendí a no depender completamente de una habitación para saber si algo funciona.

La computadora como estudio portátil

Hoy la tecnología permite algo que hace años parecía imposible.

Un productor puede llevar gran parte de su estudio en una computadora.

Una sesión puede viajar.

Los proyectos pueden abrirse en distintos lugares.

Las ideas pueden continuar en una habitación de hotel, un estudio alquilado o una sala completamente diferente a la habitual.

Eso genera una nueva forma de trabajar.

El estudio deja de ser únicamente un espacio físico.

Se convierte en una forma de pensar.

La libertad del productor nómada

Existe una contradicción interesante.

Por un lado, tener un lugar propio es un sueño natural.

Un espacio diseñado exactamente para tus necesidades.

Una sala donde todo está preparado.

Un lugar donde podés entrar y trabajar sin pensar en nada más.

Pero al mismo tiempo existe una parte de la vida nómada que tiene algo liberador.

Cambiar de espacio.

Conocer otros estudios.

Trabajar con otras personas.

Escuchar en diferentes salas.

Salir de la rutina.

Muchas veces alejarnos del lugar habitual también nos obliga a escuchar con otros oídos.

Prepararse para cualquier estudio

Trabajar como productor nómada requiere una habilidad importante: adaptarse.

Llegar a un estudio nuevo significa entender rápidamente:

• Cómo responde la sala.
• Qué sistema de monitoreo existe.
• Qué herramientas están disponibles.
• Cómo organizar la sesión.
• Cómo mantener el flujo creativo.

La experiencia permite entrar a distintos lugares y sentirse cómodo.

Porque al final no se trata solamente del equipo.

Se trata de saber qué hacer con él.

El estudio propio y el próximo capítulo

Después de muchos años de movimiento, hoy estoy en proceso de construir un nuevo estudio propio.

No desde la necesidad de tener un lugar que valide mi trabajo.

Sino desde la experiencia de saber exactamente qué necesito.

Cada mudanza.

Cada habitación.

Cada limitación.

Cada solución improvisada.

Me fueron enseñando qué características tiene que tener un espacio diseñado para mi forma de trabajar.

El estudio propio llega después del aprendizaje, no antes.

La verdadera herramienta

Al final, un productor no es solamente alguien que trabaja dentro de una sala.

Es alguien que lleva una forma de escuchar consigo.

El espacio ayuda.

Los equipos ayudan.

La acústica ayuda.

Pero la capacidad de tomar decisiones, interpretar una canción y resolver problemas es algo que viaja con uno.

Ser productor nómada me enseñó justamente eso: que antes de construir un estudio, hay que construir una manera de trabajar.

Also available in English.

It’s one of the questions I get the most.

A lot of artists believe a good mastering job can turn any song into a professional release.

It’s even common to think that sending a song to a well-known mastering engineer will automatically fix a production’s problems.

My experience tells me something else.

A good mastering job can elevate a good mix.

But it can’t replace it.

Before anything: the song

Long before talking about mixing or mastering, something much more important exists.

The song.

If a song works with just a guitar, a piano or a voice, there’s already a solid foundation.

Then comes production.

Production

Production is the stage where the song takes shape.

We choose instruments. We record. We edit. We cut. We paste. We test sounds. We build atmospheres. We design textures.

We make creative decisions that end up defining the personality of the piece.

By the end of this stage, we already have a production.

Now everything needs to coexist.

Mixing

For me, mixing has two very different moments.

First: the technical work

Before thinking about creativity, I try to make everything function.

That every instrument has its space. That levels are coherent. That vocals are clear. That there are no annoying resonances. That the low end is under control. That the channels breathe. That the song can play loud without losing balance.

It’s a stage of cleaning, organizing and control.

I’m not looking to move anyone yet.

I’m looking for the production to work technically.

Then: the artistic work

Once everything is balanced, that’s when I finally start listening as a musician.

Different questions show up.

Should the vocal move more? Does the guitar need to come forward during that solo? Should the snare feel more aggressive? Are the cymbals taking up too much space? Does this chorus need to grow?

At this stage mixing stops being corrective and starts becoming a storytelling tool.

Every automation, every EQ move, every decision helps tell the song better.

When I finish this stage I leave enough headroom for the next one.

Mastering

This is where the way of listening changes completely.

While mixing, I think about each track separately.

When mastering, individual tracks no longer exist.

There’s only one song.

Every decision affects the whole.

If I boost the highs, that also changes the vocal, the cymbals, the acoustic guitars and anything else sitting in that part of the spectrum.

If I adjust the low end, I’m changing the kick, the bass and part of the body of other instruments at the same time.

That’s why the approach is completely different.

Mastering looks for small, global adjustments to improve the overall balance of the mix.

Then come tools like compression, clipping and limiting, which help reach a competitive level while respecting, as much as possible, the song’s dynamics and character.

What mastering can’t do

Mastering often gets asked to do too much.

It can’t fix a vocal that got buried too low in the mix.

It can’t correct an unbalanced drum kit.

It can’t separate instruments that are competing with each other.

It can’t rebuild a poorly structured production.

Today there are very advanced tools, even AI-assisted processes, that can help in some cases.

But no tool can replace the decisions that should have been made during mixing.

How I think about both stages

I always think of it this way: mixing builds the house.

Mastering turns on the lights.

If the structure is poorly built, no lighting is going to fix that.

But when the construction is solid, good lighting can make everything look better.

Conclusion

Mixing and mastering don’t compete with each other.

They complement each other.

Mixing defines how the instruments coexist, how the story gets told, and what emotions the production carries.

Mastering takes that finished story and prepares it to play back with coherence, balance and competitiveness across different listening systems.

So when someone asks me which of the two stages matters more, my answer is usually the same.

A good master can improve a good mix.

But no amount of mastering can turn a bad mix into a great production.

Also available in Spanish.

Es una de las preguntas que más recibo.

Muchos artistas creen que una buena masterización puede transformar cualquier canción en un lanzamiento profesional.

Incluso es común pensar que enviar una canción a un ingeniero de mastering muy reconocido va a solucionar automáticamente los problemas de una producción.

Mi experiencia me dice otra cosa.

Una buena masterización puede potenciar una buena mezcla.

Pero no puede reemplazarla.

Antes de todo: la canción

Mucho antes de hablar de mezcla o de mastering existe algo mucho más importante.

La canción.

Si una canción funciona con una guitarra, un piano o simplemente con una voz, ya existe una base sólida.

Después aparece la producción.

La producción

La producción es la etapa donde la canción toma forma.

Elegimos instrumentos. Grabamos. Editamos. Cortamos. Pegamos. Probamos sonidos. Construimos ambientes. Diseñamos texturas.

Tomamos decisiones creativas que terminan definiendo la personalidad de la obra.

Cuando termina esta etapa ya tenemos una producción.

Ahora hay que hacer que todo conviva.

La mezcla

Para mí, la mezcla tiene dos momentos muy diferentes.

Primero: el trabajo técnico

Antes de pensar en creatividad intento que todo funcione.

Que cada instrumento tenga su espacio. Que los niveles sean coherentes. Que las voces sean claras. Que no existan resonancias molestas. Que los graves estén controlados. Que los canales respiren. Que la canción pueda reproducirse fuerte sin perder equilibrio.

Es una etapa de limpieza, organización y control.

Todavía no estoy buscando emocionar.

Estoy buscando que la producción funcione técnicamente.

Después: el trabajo artístico

Una vez que todo está equilibrado, recién empiezo a escuchar como músico.

Ahí aparecen preguntas diferentes.

¿La voz debería emocionar más? ¿La guitarra necesita salir al frente durante ese solo? ¿La caja debería sentirse más agresiva? ¿Los platos están ocupando demasiado espacio? ¿Este estribillo necesita crecer?

En esta etapa la mezcla deja de ser correctiva y empieza a convertirse en una herramienta narrativa.

Cada automatización, cada ecualización y cada decisión ayudan a contar mejor la canción.

Cuando termino esta etapa dejo suficiente margen dinámico (headroom) para la siguiente.

La masterización

Acá cambia completamente la forma de escuchar.

Mientras mezclo pienso en cada pista por separado.

Cuando masterizo ya no existen pistas individuales.

Existe una sola canción.

Todas las decisiones afectan al conjunto.

Si aumento los agudos, también cambia la voz, los platos, las guitarras acústicas y cualquier otro elemento que ocupe esa zona del espectro.

Si modifico los graves, estoy alterando al mismo tiempo el bombo, el bajo y parte del cuerpo de otros instrumentos.

Por eso el enfoque es completamente distinto.

La masterización busca pequeños ajustes globales para mejorar el equilibrio general de la mezcla.

Después llegan herramientas como la compresión, el clipping y la limitación, que permiten alcanzar un nivel competitivo respetando, en la medida de lo posible, la dinámica y el carácter de la canción.

Lo que una masterización no puede hacer

Muchas veces se espera demasiado del mastering.

No puede acomodar una voz que quedó demasiado baja dentro de la mezcla.

No puede corregir una batería desbalanceada.

No puede separar instrumentos que compiten entre sí.

No puede reconstruir una producción mal planteada.

Hoy existen herramientas muy avanzadas e incluso procesos asistidos por inteligencia artificial que pueden ayudar en algunos casos.

Pero ninguna herramienta puede reemplazar las decisiones que debieron tomarse durante la mezcla.

Mi forma de entender ambas etapas

Siempre pienso que la mezcla construye la casa.

La masterización enciende las luces.

Si la estructura está mal hecha, ninguna iluminación va a resolver el problema.

Pero cuando la construcción es sólida, una buena iluminación puede hacer que todo se vea mejor.

Conclusión

La mezcla y la masterización no compiten entre sí.

Se complementan.

La mezcla define cómo conviven los instrumentos, cómo se cuenta la historia y qué emociones transmite la producción.

La masterización toma esa historia ya terminada y la prepara para reproducirse con coherencia, equilibrio y competitividad en distintos sistemas de escucha.

Por eso, cuando alguien me pregunta cuál de las dos etapas es más importante, mi respuesta suele ser la misma.

Una buena masterización puede mejorar una buena mezcla.

Pero ninguna masterización puede convertir una mala mezcla en una gran producción.

Also available in English.

Looking back, I realize I never learned music production through a traditional path.

I learned out of necessity.

Every time I wanted to do something I didn’t know how to do yet, a very simple question showed up: how do I do this?

And that question always turned into a process.

First I understood the goal. Then I broke it into small steps. I researched the first one. I practiced it until I got it. Only then did I move to the next.

That’s how I learned to record, mix, produce, and solve pretty much everything I do today.

Before the DAWs

My interest in audio started even before I recorded music.

My dad worked in the audiovisual world, back when editing still meant cassettes, VHS tapes and analog video gear.

I remember editing suites full of lit-up buttons, synced players, consoles, and the adrenaline of editing in real time.

Without really understanding what each machine did, that world already fascinated me.

At the same time, I grew up listening to full albums.

I liked sitting down to listen to a discography start to finish, reading the credits, looking at the covers, and understanding that an album was much more than a collection of songs.

I think those two experiences ended up meeting years later.

Audacity

My first contact with recording was Audacity.

It was a very simple program, but for me it was a door in.

For the first time I could record, cut, move audio around and start understanding how a session worked.

Looking at it today it seems basic.

Back then it was enough to spark my curiosity.

Cool Edit Pro

Then I discovered Cool Edit Pro.

That’s where the concept of working in layers showed up.

I still didn’t have all the tools we take for granted today, but I could already build a song by recording different tracks.

I remember a very particular period.

I didn’t have a studio microphone.

A lot of the time I recorded with the tiny mic built into computer headphones.

I’d position it as best I could in front of the guitar or my voice and try to pull off the demos.

It wasn’t the ideal gear.

But I had something much more important.

The drive to record.

Adobe Audition

My time with Adobe Audition was brief.

It was more of a transition than a real stage.

But it also let me keep understanding different ways of working with audio.

Pro Tools

The big shift came when I was able to buy an M-Audio Fast Track interface.

Back then, Pro Tools required a compatible interface just to open the software.

Having that audio card meant finally getting into the software I saw in professional studios.

For many years, Pro Tools was home.

That’s where I produced my first songs, learned to mix seriously, and released most of my music.

At the time, working in Pro Tools felt like being part of the industry standard.

Logic Pro

Later on I started working in music production and live sound for churches.

That’s where I got to know Logic Pro.

Working on an iMac, I started discovering a different way to produce.

Even though it was never my main platform, it left me tools and ideas I still remember.

The day I had to start from zero

There was a moment that completely changed how I work.

Ransomware infected my Windows computer.

All my projects got encrypted.

I basically lost years of work.

It was a very hard situation, but it also ended up pushing me into a new stage.

I bought a MacBook Pro and decided to rebuild my entire system from zero.

Ableton Live

While watching different producers work, I started getting curious about Ableton Live.

At first I only used it to produce.

Once a song was finished I’d export every track and keep mixing and mastering in Pro Tools.

Both programs coexisted for a long time.

Until one day I simply stopped doing that intermediate step.

I started mixing directly inside Ableton.

Then mastering.

And little by little I realized I didn’t miss switching software anymore.

Today I feel like Ableton Live became a natural extension of how I think about music.

Not just because of its tools.

But because it fits really well with the way I create.

More important than the software

A lot of people ask me what the best DAW is.

My answer is always the same.

The best DAW is the one that disappears while you work.

The one that stops feeling like a program and starts feeling like a transparent tool between an idea and the final result.

For me, today that program is Ableton Live.

A few years ago it was Pro Tools.

And before that, others.

They all taught me something different.

What I actually learned

Over time I understood that no software makes better music on its own.

What really makes the difference is curiosity.

That constant need to ask how to achieve something we don’t know how to do yet.

Every program was a stage.

Every stage taught me a different way of thinking about audio.

And that was probably the real lesson of the whole journey.

Also available in Spanish.

Cuando miro hacia atrás, me doy cuenta de que nunca aprendí producción musical siguiendo un camino tradicional.

Aprendí por necesidad.

Cada vez que quería hacer algo que todavía no sabía hacer, aparecía una pregunta muy simple: ¿Cómo lo hago?

Y esa pregunta siempre terminaba convirtiéndose en un proceso.

Primero entendía cuál era el objetivo. Después lo dividía en pequeños pasos. Investigaba el primero. Lo practicaba hasta conseguirlo. Y recién entonces pasaba al siguiente.

Así aprendí a grabar, mezclar, producir y resolver prácticamente todo lo que hago hoy.

Antes de los DAWs

Mi interés por el audio empezó incluso antes de grabar música.

Mi papá trabajaba en el mundo audiovisual, en una época donde todavía se editaba con casetes, cintas VHS y equipos de video analógicos.

Recuerdo las islas de edición llenas de botones iluminados, reproductores sincronizados, consolas y la adrenalina que implicaba editar en tiempo real.

Sin entender demasiado qué hacía cada aparato, ya me fascinaba ese mundo.

Al mismo tiempo crecí escuchando discos completos.

Me gustaba sentarme a escuchar una discografía de principio a fin, leer los créditos, mirar las portadas y entender que un álbum era mucho más que una colección de canciones.

Creo que esas dos experiencias terminaron encontrándose años después.

Audacity

Mi primer contacto con la grabación fue Audacity.

Era un programa muy simple, pero para mí era una puerta de entrada.

Por primera vez podía grabar, cortar, mover audio y empezar a entender cómo funcionaba una sesión.

Mirándolo hoy parece básico.

En ese momento era suficiente para despertar mi curiosidad.

Cool Edit Pro

Después descubrí Cool Edit Pro.

Ahí apareció el concepto de trabajar por capas.

Todavía no tenía todas las herramientas que hoy damos por sentadas, pero ya podía construir una canción grabando diferentes pistas.

Recuerdo una época muy particular.

No tenía un micrófono de estudio.

Muchas veces grababa con el pequeño micrófono que venía incorporado en los auriculares para computadora.

Lo acomodaba como podía delante de la guitarra o de mi voz e intentaba sacar adelante las maquetas.

No era el equipo ideal.

Pero tenía algo mucho más importante.

Las ganas de grabar.

Adobe Audition

Mi paso por Adobe Audition fue corto.

Fue más una transición que una etapa.

Pero también me permitió seguir entendiendo distintas formas de trabajar con audio.

Pro Tools

El gran cambio llegó cuando pude comprar una interfaz M-Audio Fast Track.

En esa época Pro Tools exigía una interfaz compatible para poder abrir el programa.

Tener esa placa de audio significaba entrar, por fin, al software que veía en los estudios profesionales.

Durante muchos años Pro Tools fue mi casa.

Ahí produje mis primeras canciones, aprendí a mezclar seriamente y publiqué gran parte de mi música.

En ese momento sentía que trabajar en Pro Tools era formar parte del estándar de la industria.

Logic Pro

Más adelante empecé a trabajar en producción musical y sonido en vivo para iglesias.

Fue ahí donde conocí Logic Pro.

Trabajando sobre una iMac empecé a descubrir otra forma de producir.

Aunque nunca fue mi plataforma principal, me dejó herramientas e ideas que todavía recuerdo.

El día que tuve que empezar de cero

Hubo un momento que cambió completamente mi forma de trabajar.

Un ransomware infectó mi computadora con Windows.

Todos mis proyectos quedaron cifrados.

Prácticamente perdí años de trabajo.

Fue una situación muy difícil, pero también terminó empujándome hacia una nueva etapa.

Compré una MacBook Pro y decidí reconstruir todo mi sistema desde cero.

Ableton Live

Mientras veía trabajar a distintos productores, empecé a sentir curiosidad por Ableton Live.

Al principio lo utilizaba únicamente para producir.

Cuando la canción estaba terminada exportaba todas las pistas y seguía mezclando y masterizando en Pro Tools.

Durante mucho tiempo convivieron ambos programas.

Hasta que un día simplemente dejé de hacer ese paso intermedio.

Empecé a mezclar directamente dentro de Ableton.

Después a masterizar.

Y poco a poco descubrí que ya no extrañaba cambiar de software.

Hoy siento que Ableton Live se convirtió en una extensión natural de mi forma de pensar la música.

No solamente por sus herramientas.

Sino porque acompaña muy bien mi forma de crear.

Más importante que el programa

Muchas personas me preguntan cuál es el mejor DAW.

Mi respuesta siempre es la misma.

El mejor DAW es el que desaparece mientras trabajás.

El que deja de sentirse como un programa y empieza a sentirse como una herramienta transparente entre una idea y el resultado final.

Para mí hoy ese programa es Ableton Live.

Hace algunos años fue Pro Tools.

Y antes fueron otros.

Todos me enseñaron algo distinto.

Lo que realmente aprendí

Con el tiempo entendí que ningún software hace mejor música por sí solo.

Lo que realmente marca la diferencia es la curiosidad.

Esa necesidad constante de preguntarse cómo lograr algo que todavía no sabemos hacer.

Cada programa fue una etapa.

Cada etapa me enseñó una forma diferente de pensar el audio.

Y probablemente ese haya sido el verdadero aprendizaje de todo el camino.

Also available in English.

Almost every song starts the same way.

A guitar recorded in a hurry, a beat made on a computer, a voice memo on a phone, or a home production that’s still far from sounding like a professional release.

And yet, most of the time, the most important part is already there.

The idea.

The emotion.

The intent.

Over the years I learned that a good mix shouldn’t replace that first instinct. It should protect it.

The demo already says something

A lot of people call a production a «demo» simply because it isn’t finished yet.

I don’t always see it that way.

A demo can hold exactly the emotion that made the song exist in the first place. It can have the right tempo, the right sounds, and a performance that’s impossible to repeat.

Even if there’s technically a lot left to improve, an artistic proposal already exists.

My job isn’t to change that proposal.

It’s to help it be heard with the clarity it deserves.

Mixing isn’t starting over

When I get a project, I first try to understand what the artist meant to say.

Only after that do I start making technical decisions.

Mixing is there to bring order.

To define planes.

To find space between instruments.

To remove noise or distracting elements.

To control dynamics.

To give the song depth.

But none of those decisions should erase the personality of the original production.

A good mix makes a song easier to listen to.

It doesn’t make it stop sounding like whoever made it.

The goal is to turn a rough draft into a finished proposal

There’s an important difference between an idea and a proposal.

The idea moves the person who created it.

The proposal also moves the person hearing it for the first time.

That’s the job of the mix.

Taking a production that already has identity and turning it into a piece of work that can communicate it clearly.

Many times it doesn’t take big changes.

Sometimes it’s enough to balance levels, improve the relationship between instruments, clean up a few details, and let every element find its place.

The last step: competing without losing identity

Then comes mastering.

For me, mastering isn’t just about raising the volume.

It’s also about letting the song coexist naturally with the music we listen to today on streaming platforms, while respecting its balance, its impact and its character.

The idea is that, sitting next to other professional productions, it doesn’t feel smaller, weaker or less defined.

But competing doesn’t mean copying.

Every song needs to keep whatever makes it different.

Trust is also part of the process

There’s something no plugin can replace.

Trust.

Trusting an idea, a performance or a sound takes time.

Many artists feel the need to keep tweaking details indefinitely because they still don’t fully believe in what they made.

That’s why working with a mixing and mastering engineer can also bring a different perspective.

Someone who listens to the song from the outside, identifies what’s actually working, and helps push it further without losing its essence.

A good production isn’t born in the mixing studio

It’s born much earlier.

It’s born in the moment an idea manages to move you.

Mixing and mastering aren’t there to replace that moment.

They’re there to make sure other people can feel exactly the same thing when they hit play.

Also available in Spanish.

Casi todas las canciones empiezan igual.

Una guitarra grabada rápido, una base hecha en la computadora, una nota de voz en el teléfono o una producción casera que todavía está lejos de sonar como un lanzamiento profesional.

Y, sin embargo, muchas veces ahí ya está lo más importante.

La idea.

La emoción.

La intención.

Con los años aprendí que una buena mezcla no debería reemplazar esa primera intuición. Debería protegerla.

La maqueta ya dice algo

Muchas personas llaman “maqueta” a una producción simplemente porque todavía no está terminada.

Yo no siempre lo veo así.

Una maqueta puede contener exactamente la emoción que hizo nacer la canción. Puede tener el tempo correcto, los sonidos adecuados y una interpretación imposible de repetir.

Aunque técnicamente todavía tenga mucho por mejorar, ya existe una propuesta artística.

Mi trabajo no consiste en cambiar esa propuesta.

Consiste en ayudar a que se escuche con la claridad que merece.

Mezclar no es empezar de nuevo

Cuando recibo un proyecto intento entender primero qué quiso decir el artista.

Recién después empiezo a tomar decisiones técnicas.

La mezcla sirve para ordenar.

Sirve para definir planos.

Para encontrar espacio entre los instrumentos.

Para eliminar ruidos o elementos que distraen.

Para controlar dinámicas.

Para darle profundidad a la canción.

Pero ninguna de esas decisiones debería borrar la personalidad de la producción original.

Una buena mezcla hace que la canción sea más fácil de escuchar.

No hace que deje de parecerse a quien la creó.

El objetivo es transformar un borrador en una propuesta

Hay una diferencia importante entre una idea y una propuesta.

La idea emociona a quien la creó.

La propuesta también emociona a quien la escucha por primera vez.

Ese es el trabajo de la mezcla.

Tomar una producción que ya tiene identidad y convertirla en una obra capaz de comunicarla con claridad.

Muchas veces no hacen falta grandes cambios.

A veces alcanza con equilibrar los volúmenes, mejorar la relación entre los instrumentos, limpiar algunos detalles y dejar que cada elemento ocupe su lugar.

El último paso: competir sin perder identidad

Después llega la masterización.

Para mí, el mastering no consiste únicamente en aumentar el volumen.

También busca que la canción pueda convivir naturalmente con la música que hoy escuchamos en plataformas digitales, respetando su equilibrio, su impacto y su carácter.

La idea es que, al sonar junto a otras producciones profesionales, no se sienta más pequeña, más débil o menos definida.

Pero competir no significa copiar.

Cada canción necesita conservar aquello que la hace diferente.

La confianza también forma parte del proceso

Hay algo que ningún plugin puede reemplazar.

La confianza.

Confiar en una idea, en una interpretación o en un sonido lleva tiempo.

Muchos artistas sienten la necesidad de seguir cambiando detalles indefinidamente porque todavía no creen del todo en lo que hicieron.

Por eso trabajar con un ingeniero de mezcla y masterización también puede aportar otra mirada.

Alguien que escuche la canción desde afuera, identifique lo que realmente funciona y ayude a potenciarlo sin perder su esencia.

Una buena producción no nace en el estudio de mezcla

Nace mucho antes.

Nace en ese momento en el que una idea logra emocionarte.

La mezcla y la masterización no están para reemplazar ese instante.

Están para hacer que otras personas puedan sentir exactamente lo mismo cuando presionen “play”.

Also available in English.

A good mix doesn’t start when I open your project.

It starts much earlier, in the way you prepare and organize your files.

The better the material arrives, the more time we get to spend improving the music instead of solving technical problems.

Here’s how I like to receive projects.

If you’re hiring a mix

Export every instrument from the same starting point in the session.

Even if an instrument comes in later in the song, every file should begin at exactly bar one, or the same reference time.

That keeps everything perfectly synced when I import the files into my session.

You can send me sounds with the processing that’s already part of your identity. If a guitar, a vocal or a synth has an effect that defines the character of the production, I’d rather receive it that way than try to rebuild it from scratch.

If you also want to include a fully dry version of a specific channel, that’s a good option too.

If you’re hiring a stem mastering

In this case I don’t need every individual track.

I prefer to receive premixed subgroups.

For example:

• Stereo drums.
• Bass.
• Vocal group.
• Harmony group.
• Lead instruments or soloists separately, if they need independent treatment.

Generally, four to eight well-organized stems are enough to do a stem mastering job without losing the balance of your mix.

Recording level

The audio doesn’t need to hit the top of the meter.

In fact, I prefer exactly the opposite.

As a simple reference, picture your software’s level meter split into three zones: green, yellow and red.

My recommendation is that signals sit comfortably within the green zone, roughly at the halfway point of the meter.

That leaves enough headroom to work without unnecessary distortion or saturation.

I’ll set the final level during mixing or mastering.

Export format

My working format is:

• 48 kHz
• 24-bit
• Uncompressed WAV

That way we avoid quality loss from the very start of the process.

Information I need

Inside the project folder, it helps a lot to find:

• Artist name.
• Song name.
• Project BPM.
• Song key.
• A reference mix (if one exists).
• Sonic references or songs that represent the result you’re going for.

The more I know about your artistic intent, the better decisions I can make.

File organization

I appreciate receiving an organized folder with clear names.

Avoid names like «Track 1», «Final Audio» or «New Export».

Instead, use descriptive names like:

• Kick
• Snare
• Bass
• Lead vocal
• Acoustic guitar L
• Piano

Good organization speeds up the work enormously.

How I work

I work mainly in Ableton Live.

Most of the processing happens completely in the box, using digital tools and spectral, dynamic and level reference systems to make objective decisions without losing artistic judgment.

On some projects I also bring in a small analog hardware chain when it adds something musical to the final result.

From an idea to a finished proposal

Many productions are born in a home studio.

That doesn’t mean they’re «demos.»

They often already have real artistic identity, but still need a mix that lets them sound clear, deep and balanced.

For me, mixing isn’t about changing your music.

It’s about taking an idea that already works and helping it become a solid proposal, capable of communicating exactly what you imagined when you started creating it.

That’s the goal of the whole process.

Also available in Spanish.