Autor: Luigi Manzoni

Hoy sale Me Quedo Acá, mi décimo disco.

Siete canciones hechas con gente que quiero. Casi pop, casi punk, pero de acá.

¿Poco tiempo? Empezá por «Lo que soñé» (3 minutos).

Gracias por estar acá, de verdad.
— Luigi

Over the years I learned something very important about music:

Sometimes an outside opinion can completely change the way we hear a song.

When we spend many hours working on a production, it’s normal to get used to the sound.

We stop noticing certain details.

We focus so much on one part that we might lose perspective on the whole.

That’s why I decided to open a space where I can receive material and share my point of view.

How does it work?

I’m receiving productions, mixes, and song works-in-progress through WhatsApp so I can listen to them and give feedback from my experience.

The idea is to be able to comment on:

• What I feel is working well.
• What elements could improve.
• What mix or production decisions could be revisited.
• What details could help the song go further.

This isn’t about replacing a full mixing or mastering process.

It’s an outside perspective.

A second listen.

An additional set of ears that can help you make better decisions about your music.

The importance of an outside opinion

Many times a song doesn’t need more elements.

It needs order.

It needs perspective.

It needs someone who can listen to it without being emotionally involved in the whole creative process.

From that place, I try to bring my years of experience in production, mixing, mastering, and song development.

Send your material

If you want feedback on your production, you can reach out through this page and send me the details of your project.

I’m interested in hearing new songs, learning about different creative processes, and offering a perspective that helps each production find its best version.

También disponible en español.

Con el paso de los años entendí algo muy importante dentro de la música:

A veces una opinión externa puede cambiar completamente la forma en la que escuchamos una canción.

Cuando estamos muchas horas trabajando en una producción, es normal acostumbrarnos al sonido.

Dejamos de notar ciertos detalles.

Nos enfocamos tanto en una parte que quizás perdemos perspectiva sobre el conjunto.

Por eso decidí abrir un espacio donde pueda recibir materiales y compartir mi punto de vista.

¿Cómo funciona?

Estoy recibiendo producciones, mezclas y avances de canciones a través de WhatsApp para poder escucharlas y dar una devolución desde mi experiencia.

La idea es poder comentar:

• Qué cosas siento que funcionan bien.
• Qué elementos podrían mejorar.
• Qué decisiones de mezcla o producción podrían revisarse.
• Qué detalles podrían ayudar a que la canción llegue más lejos.

No se trata de reemplazar un proceso completo de mezcla o masterización.

Es una mirada externa.

Una segunda escucha.

Un criterio adicional que pueda ayudarte a tomar mejores decisiones sobre tu música.

La importancia de una opinión externa

Muchas veces una canción no necesita más elementos.

Necesita orden.

Necesita perspectiva.

Necesita que alguien pueda escucharla sin estar involucrado emocionalmente con todo el proceso de creación.

Desde ese lugar intento aportar mi experiencia trabajando durante años en producción, mezcla, mastering y desarrollo de canciones.

Enviá tu material

Si querés recibir una devolución sobre tu producción, podés escribirme por WhatsApp desde esta página y enviarme la información de tu proyecto.

Me interesa conocer nuevas canciones, escuchar distintos procesos creativos y poder aportar una mirada que ayude a que cada producción encuentre su mejor versión.

También disponible en inglés.

For many years my studio was wherever I could plug in a computer, some monitors, and my tools.

I never had a space designed from scratch.

I had to learn to work with what was available.

Small apartments.

Bigger apartments.

Houses.

Adapted rooms.

Spaces where, besides making music, I also had to live.

And although for a long time I saw it as a limitation, over the years I understood it was also a school.

Learning to work with any space

Not having my own studio forced me to develop something I consider fundamental in audio:

The ability to adapt.

Every room had its own problems.

Its own character.

Its own limitations.

I learned to listen beyond the space.

To understand when a problem was really about the mix and when it was about the room I was working in.

To look for practical solutions.

To be more efficient.

To depend less on having «the perfect gear» and focus more on judgment.

The moment to build

Today a completely new stage shows up.

After many years working in rented spaces and constantly adapting, the moment came to ask myself:

What would it be like to build a studio designed around my own needs?

The place where I’m currently working is reaching the end of its lease, and after thinking it over a lot, I felt it was time to take a different step.

Build.

Create my own space.

A place where I can keep developing my career for the years to come.

Returning to a familiar place

The construction will be on a family lot located in the Sajonia neighborhood, in Asunción.

A place that means a lot to me.

It’s a neighborhood where I spent part of my childhood and teenage years.

A place I know.

That I’ve walked through.

That’s part of my story.

And it’s interesting because, over time, I discovered that Sajonia also has a very strong connection to the history of recording studios in Paraguay.

There are many important, professional spaces linked to music in that area.

That made the decision make even more sense.

A question I had never asked myself

Something that really struck me during this process is that, after so many years working in my own studios and those of colleagues around the world, I had never actually stopped to think:

If I could design my studio from scratch, what would it look like?

I had always thought in terms of solving.

Adapting.

Making the most of what I had.

But I had never had the chance to start from a blank page.

Now completely new questions come up:

What size does the room need to be?

How do I want to work?

What gear is really indispensable?

What did I learn from every studio I ever worked in?

What mistakes do I want to avoid?

What does the space need in order to support the way I create?

Designing from experience

I think the advantage of building now is that I’m not starting from just an aesthetic idea.

I’m starting from years of experience.

From having worked in different places.

From having heard different rooms.

From having known different workflows.

From knowing what I actually use and what isn’t as important.

A studio shouldn’t just be a place full of gear.

It should be a space that helps make better creative decisions.

A new process

This project is exciting, but it also has its challenging side.

Building takes time.

Investment.

Decisions.

Learning new things.

Working with architects, engineers, and professionals who see the space from a different angle.

It’s a completely different world from producing a song.

But that’s exactly why it’s so interesting.

A new stage

At this point in my career, having my own place represents something more than a studio.

It represents stability.

It represents a new stage.

It represents being able to build a space where the next songs, projects, and collaborations can come to life.

After so many years carrying my studio with me, maybe the time has come for the studio to also have a place to stay.

And the most interesting part is that I’m still in the process.

I’m still figuring out how I want it to be.

But one thing is clear:

This space will be built with everything I learned during all these years of moving around, adapting, and making music anywhere.

También disponible en español.

Durante muchos años mi estudio fue cualquier lugar donde pudiera conectar una computadora, unos monitores y mis herramientas de trabajo.

No tuve un espacio diseñado desde cero.

Tuve que aprender a trabajar con lo que había.

Departamentos pequeños.

Departamentos más grandes.

Casas.

Habitaciones adaptadas.

Espacios donde además de producir música tenía que vivir.

Y aunque durante mucho tiempo lo vi como una limitación, con los años entendí que también fue una escuela.

Aprender a trabajar con cualquier espacio

No tener un estudio propio me obligó a desarrollar algo que considero fundamental en el audio:

La capacidad de adaptarse.

Cada habitación tenía sus propios problemas.

Sus propias características.

Sus propias limitaciones.

Aprendí a escuchar más allá del espacio.

A entender cuándo un problema era realmente de la mezcla y cuándo era del lugar donde estaba trabajando.

A buscar soluciones prácticas.

A ser más eficiente.

A depender menos de tener «el equipo perfecto» y concentrarme más en el criterio.

El momento de construir

Hoy aparece una etapa completamente nueva.

Después de muchos años trabajando en espacios alquilados y adaptándome constantemente, llegó el momento de preguntarme:

¿Cómo sería construir un estudio pensado desde mis propias necesidades?

El lugar donde estoy trabajando actualmente llega al final de su contrato, y después de mucho pensarlo sentí que era el momento de dar un paso diferente.

Construir.

Crear un espacio propio.

Un lugar donde pueda seguir desarrollando mi carrera durante los próximos años.

Volver a un lugar conocido

La construcción será en un terreno familiar ubicado en el barrio Sajonia, en Asunción.

Un lugar que tiene mucho significado para mí.

Es un barrio donde pasé parte de mi infancia y adolescencia.

Un lugar que conozco.

Que recorrí.

Que forma parte de mi historia.

Y es curioso porque, con el tiempo, descubrí que Sajonia también tiene una relación muy fuerte con la historia de los estudios de grabación en Paraguay.

Hay muchos espacios importantes y profesionales vinculados a la música en esa zona.

Eso hizo que la decisión tuviera todavía más sentido.

Una pregunta que nunca me había hecho

Algo que me llamó mucho la atención durante este proceso es que, después de tantos años trabajando en estudios propios y de otros colegas alrededor del mundo, nunca me había detenido realmente a pensar:

Si yo pudiera diseñar mi estudio desde cero, ¿cómo sería?

Siempre había pensado en resolver.

En adaptarme.

En aprovechar lo que tenía.

Pero nunca había tenido la posibilidad de empezar desde una hoja en blanco.

Ahora aparecen preguntas completamente nuevas:

¿Qué tamaño necesita la sala?

¿Cómo quiero trabajar?

¿Qué equipos son realmente indispensables?

¿Qué cosas aprendí de todos los estudios donde trabajé?

¿Qué errores quiero evitar?

¿Qué necesito para que el espacio acompañe mi forma de crear?

Diseñar desde la experiencia

Creo que la ventaja de construir ahora es que no parto solamente desde una idea estética.

Parto desde años de experiencia.

Desde haber trabajado en distintos lugares.

Desde haber escuchado diferentes salas.

Desde haber conocido distintos flujos de trabajo.

Desde saber qué cosas realmente utilizo y cuáles no son tan importantes.

Un estudio no debería ser solamente un lugar lleno de equipos.

Debería ser un espacio que ayude a tomar mejores decisiones creativas.

Un proceso nuevo

Este proyecto es emocionante, pero también tiene su parte desafiante.

Construir implica tiempo.

Inversión.

Decisiones.

Aprender cosas nuevas.

Trabajar con arquitectos, ingenieros y profesionales que tienen otra mirada sobre el espacio.

Es un mundo completamente diferente al de producir una canción.

Pero justamente por eso es tan interesante.

Una nueva etapa

A esta altura de mi carrera, tener un lugar propio representa algo más que un estudio.

Representa estabilidad.

Representa una nueva etapa.

Representa poder construir un espacio donde las próximas canciones, proyectos y colaboraciones puedan desarrollarse.

Después de tantos años llevando mi estudio conmigo, quizás llegó el momento de que el estudio también tenga un lugar donde quedarse.

Y lo más interesante es que todavía estoy en proceso.

Todavía estoy descubriendo cómo quiero que sea.

Pero algo tengo claro:

Este espacio va a estar construido con todo lo que aprendí durante todos estos años de moverme, adaptarme y crear música en cualquier lugar.

También disponible en inglés.

There are moments in a career that work like a turning point.

Moments where everything you’ve been building suddenly meets an unexpected opportunity.

For me, one of those moments was in November 2013, when I had the chance to open Justin Bieber’s concert in Paraguay.

Before that stage

At that time I was part of a duo with my brother Giuliano called Noi.

The name came from Italian and meant «us.»

Today it makes me smile to remember it, but at the time it perfectly represented what we were living: two brothers trying to build something together.

The project lasted around six months, but they were six months of a lot of work.

We recorded, produced, promoted, and searched for our own identity at a moment when the music industry was going through a huge transformation.

A turning-point era

2013 was a hinge year.

There was still a strong culture around physical albums, radio, and television, but at the same time a new way of consuming music was starting to grow.

YouTube was gaining more and more relevance.

Spotify was starting to change the way people discovered artists.

Social media was becoming a fundamental tool.

We released an album called Imagino, with a pop, ballads, and pop-rock proposal.

At that time digital competition still didn’t have the scale it has today, and that allowed our material to find important spaces.

Songs started playing on the radio.

Press coverage appeared.

The project started gaining momentum.

And that’s where something I’ve confirmed many times over the years showed up:

Opportunity comes easier when you’re already prepared to receive it.

The unexpected call

That year Justin Bieber was coming to Paraguay with the Believe Tour.

The production company García Group was in charge of the concert at the Jockey Club.

And, somehow, our work reached the right people.

We were selected by the production team and the artist’s executive team to be the support band.

It was our first truly big concert.

It wasn’t just performing one song.

It was presenting ourselves in front of a massive audience.

A different format

Something that made that moment special is that we weren’t just a duo with guitar and voice.

We had a full band.

Guest musicians.

Instrumentalists.

A show built to defend the songs live.

And that was one of the first big lessons:

The song has to work outside the studio.

You can have a great recorded production, but on stage you need to be able to sustain it.

In front of more than 20,000 people

Walking onto the Jockey Club stage in front of more than 20,000 people was a feeling hard to explain.

It was the first time I felt something very particular:

Hearing the audience sing our own songs.

That connection you imagine when you write a song, but rarely get the chance to actually live.

Music stopped being something that only existed inside a studio or a computer.

It was happening live.

With real people singing something we had created.

An unexpected moment

The concert also had a fairly unusual situation.

At that time Justin Bieber was going through a very high-media-attention period, and his arrival on stage was delayed.

We had a show prepared for around thirty minutes.

But since he wasn’t ready to go on yet, production told us to keep going.

So we kept playing.

And kept playing.

We ended up doing almost an hour of show.

That’s when something happened that I’ll never forget.

Dan Kanter, Justin Bieber’s guitarist and musical director of his band during that era, stood watching our show from the side of the stage.

He even took a photo with us playing in the background.

For a young band living its first big stage, that gesture meant a lot.

The importance of being ready

Looking back, I don’t think that opportunity appeared just because of one song.

It appeared because of a combination of things.

Having released material.

Having a project put together.

Having a media presence.

Having a prepared band.

Having the courage to accept a huge challenge.

Because an opportunity like that doesn’t give you time to start preparing.

When it arrives, all you can do is show what you’ve already built.

That day I learned something

Opening a concert for an international artist isn’t just about sharing a stage with someone famous.

It’s about understanding that, even if the stage is bigger, the responsibility is the same:

Defend your songs.

Connect with people.

And be ready for whatever situation comes up.

That day was my first experience in front of a massive audience.

And it was also a confirmation of something I still believe today:

Opportunities show up, but you have to be ready to step on stage when your turn comes.

También disponible en español.

Hay momentos en una carrera que funcionan como un punto de quiebre.

Momentos donde todo lo que venías construyendo de repente se encuentra con una oportunidad inesperada.

Para mí, uno de esos momentos fue en noviembre de 2013, cuando tuve la oportunidad de abrir el concierto de Justin Bieber en Paraguay.

Antes de ese escenario

En ese momento yo estaba formando parte de un dúo junto a mi hermano Giuliano llamado Noi.

El nombre venía del italiano y significaba «nosotros».

Hoy me genera una sonrisa recordarlo, pero en ese momento representaba perfectamente lo que estábamos viviendo: dos hermanos intentando construir algo juntos.

El proyecto duró aproximadamente seis meses, pero fueron seis meses de muchísimo trabajo.

Grabamos, producimos, promocionamos y buscamos una identidad propia en un momento donde la industria musical estaba atravesando una transformación enorme.

Un cambio de época

2013 fue una época bisagra.

Todavía existía una fuerte cultura alrededor de los discos físicos, las radios y la televisión, pero al mismo tiempo empezaba a crecer una nueva forma de consumir música.

YouTube tomaba cada vez más protagonismo.

Spotify empezaba a cambiar la manera de descubrir artistas.

Las redes sociales comenzaban a convertirse en una herramienta fundamental.

Nosotros lanzamos un disco llamado Imagino, con una propuesta de pop, baladas y pop rock.

En ese momento la competencia digital todavía no tenía la dimensión que tiene hoy, y eso permitió que nuestro material encontrara espacios importantes.

Las canciones empezaron a sonar en radios.

Aparecieron notas de prensa.

El proyecto empezó a tener movimiento.

Y ahí apareció algo que con los años confirmé muchas veces:

La oportunidad llega más fácil cuando ya estás preparado para recibirla.

La llamada inesperada

Ese año llegaba Justin Bieber a Paraguay con el Believe Tour.

La productora García Group estaba encargada del concierto en el Jockey Club.

Y, de alguna manera, nuestro trabajo llegó hasta las personas indicadas.

Fuimos seleccionados por el equipo de producción y por el equipo ejecutivo del artista para ser la banda soporte.

Era nuestro primer concierto realmente grande.

No era solamente tocar una canción.

Era presentarnos frente a un público masivo.

Un formato diferente

Algo que hacía especial ese momento es que nosotros no éramos solamente un dúo con guitarra y voz.

Teníamos una banda completa.

Músicos invitados.

Instrumentistas.

Un show armado para defender las canciones en vivo.

Y esa fue una de las primeras grandes enseñanzas:

La canción tiene que funcionar fuera del estudio.

Podés tener una gran producción grabada, pero arriba del escenario necesitás poder sostenerla.

Frente a más de 20.000 personas

Subir al escenario del Jockey Club frente a más de 20.000 personas fue una sensación difícil de explicar.

Era la primera vez que sentía algo muy particular:

Escuchar al público cantar nuestras propias canciones.

Esa conexión que uno imagina cuando escribe una canción, pero que pocas veces tiene la oportunidad de vivir.

La música dejó de ser algo que solamente estaba dentro de un estudio o una computadora.

Estaba pasando en vivo.

Con personas reales cantando algo que nosotros habíamos creado.

Un momento inesperado

El concierto también tuvo una situación bastante particular.

En esa época Justin Bieber estaba atravesando un momento muy mediático y su llegada al escenario se retrasó.

Nosotros teníamos preparado un show de aproximadamente treinta minutos.

Pero como todavía no estaba listo para salir, desde producción nos indicaron que continuemos.

Entonces seguimos.

Y seguimos.

Terminamos haciendo casi una hora de show.

Ahí pasó algo que nunca me voy a olvidar.

Dan Kanter, guitarrista de Justin Bieber y director musical de su banda durante esa etapa, se quedó mirando nuestro show desde un costado del escenario.

Incluso se sacó una foto con nosotros tocando de fondo.

Para una banda joven que estaba viviendo su primer gran escenario, ese gesto significó muchísimo.

La importancia de estar listo

Mirando hacia atrás, creo que esa oportunidad no apareció solamente por una canción.

Apareció por una suma de cosas.

Tener material publicado.

Tener un proyecto armado.

Tener presencia en medios.

Tener una banda preparada.

Tener la valentía de aceptar un desafío enorme.

Porque una oportunidad así no te da tiempo para empezar a prepararte.

Cuando llega, solamente podés demostrar lo que ya construiste.

Ese día aprendí algo

Abrir un concierto para un artista internacional no se trata solamente de compartir escenario con alguien famoso.

Se trata de entender que, aunque el escenario sea más grande, la responsabilidad es la misma:

Defender tus canciones.

Conectar con la gente.

Y estar preparado para cualquier situación.

Ese día fue mi primera experiencia frente a un público masivo.

Y también fue una confirmación de algo que sigo creyendo hasta hoy:

Las oportunidades aparecen, pero hay que estar listo para subir al escenario cuando llegue tu turno.

También disponible en inglés.

For a long time there was an idea that working on music for film or television required being inside big studios, big cities, or specific industries.

Today the reality is different.

With a computer, a properly set up studio, and good musical judgment, you can work on audiovisual projects from practically anywhere.

But there’s something that doesn’t change:

Opportunities arrive when preparation meets the right moment.

The first opportunity never arrives when you feel completely ready

One of the things I learned working in music is that the most important challenges often show up before you feel like you have everything figured out.

My first experience creating original music for a film was for Pedro Undercover, a Hey Films production with Argentine participation, where I had the chance to create the original score, including the track «Sangre Caliente.»

I also worked on the original music for the series Atreverse a Soñar, starring Marilina Bogado, a production by Marilina Bogado together with Maneglia-Schembori Producciones and Telefuturo.

They were big projects.

And, as usually happens, the opportunity arrived before I felt like I had all the answers.

But that’s where something fundamental comes in:

Trusting the judgment you’ve built over years.

Previous experience is preparation too

We often think preparation begins when the project shows up.

But it really begins much earlier.

Before reaching film and series, for years I worked connected to audiovisual media and television.

It all started when Telefuturo reached out to me to take part, from the artistic side, in some TV formats.

While I didn’t feel drawn to the idea of being a contestant on shows like Baila Conmigo or Canta Conmigo, I did find another path:

Working from the production and sound side.

That’s where a different road began.

Learning television’s language

For more than four years I worked across different TV formats.

That work let me understand a logic completely different from that of a traditional song.

Television has different timing.

Different goals.

A different way of thinking about music.

Many times you have to produce a large amount of material in very little time.

Resolve specific requests.

Adapt to a visual idea.

Understand what a director needs, even when there’s no clear reference yet.

That training was fundamental.

Working with directors and understanding the image

A very important part of making audiovisual music is learning to listen beyond the music itself.

The image also tells a story.

The director has an intention.

A scene has a rhythm.

A character has an emotion.

The music has to support that.

During those years I had the chance to work with different directors and creative teams, learning how they think and what they need from a piece of music.

That exchange shaped my judgment to understand that a soundtrack isn’t just about writing a pretty song.

It’s about helping to tell a story.

From songs to audiovisual narrative

A song can exist on its own.

But music for film and television has a different responsibility.

Sometimes it has to move you without drawing attention to itself.

Sometimes it has to build tension.

Sometimes it has to disappear completely to leave room for dialogue.

The music’s function changes according to the scene.

And learning that takes experience.

The studio as a tool

Today many of these productions can be made from an independent studio.

With a computer, good tools, and an organized workflow, it’s possible to create original music for different formats.

But technology is only part of it.

What matters most is being able to deliver.

Meet deadlines.

Understand direction.

Solve problems.

Be reliable.

The responsibility behind accepting a challenge

I think one of the biggest lessons from this path is that saying yes also means taking on responsibility.

It’s not enough to say «yes, I can do it.»

You need to know what process you’re going to use.

How much time you need.

What resources you have.

How you’re going to deliver the material.

Confidence doesn’t come from thinking you know everything.

It comes from knowing your process and knowing you can reach the result.

The opportunity arrives when you’re ready

Looking back, many opportunities arrived through a combination of factors.

Years making music.

Years learning production.

Years working with media.

Years building relationships.

Years developing judgment.

The moment the opportunity arrives isn’t the moment to start preparing.

Preparation happens long before.

And when the challenge finally shows up, all that’s left is to take the next step.

También disponible en español.

Durante mucho tiempo existió la idea de que para trabajar haciendo música para cine o televisión había que estar dentro de grandes estudios, grandes ciudades o industrias específicas.

Hoy la realidad es diferente.

Con una computadora, un estudio preparado y un buen criterio musical se puede trabajar en proyectos audiovisuales desde prácticamente cualquier lugar.

Pero hay algo que no cambia:

Las oportunidades llegan cuando la preparación se encuentra con el momento correcto.

La primera oportunidad nunca llega cuando uno se siente completamente listo

Una de las cosas que aprendí trabajando en música es que muchas veces los desafíos más importantes aparecen antes de que uno sienta que tiene todo resuelto.

Mi primera experiencia haciendo música original para una película fue para Pedro Undercover, una producción de Hey Films con participación argentina, donde tuve la oportunidad de crear la música original, incluyendo el tema «Sangre Caliente».

También trabajé en la música original de la serie Atreverse a Soñar, protagonizada por Marilina Bogado, una producción de Marilina Bogado junto a Maneglia-Schembori Producciones y Telefuturo.

Eran proyectos grandes.

Y, como suele pasar, la oportunidad llegó antes de sentir que uno tiene todas las respuestas.

Pero ahí aparece algo fundamental:

Confiar en el criterio que uno fue construyendo durante años.

La experiencia previa también es preparación

Muchas veces pensamos que la preparación empieza cuando aparece el proyecto.

Pero en realidad empieza mucho antes.

Antes de llegar al cine y las series, durante años trabajé vinculado a medios audiovisuales y televisión.

Todo comenzó cuando Telefuturo se contactó conmigo para participar desde mi lado artístico en algunos formatos de televisión.

Si bien no me sentía identificado con la idea de participar como concursante en programas como Baila Conmigo o Canta Conmigo, sí encontré otra posibilidad:

Trabajar desde el lado de la producción y el sonido.

Ahí empezó otro camino.

Aprender el lenguaje de la televisión

Durante más de cuatro años trabajé en distintos formatos televisivos.

Ese trabajo me permitió entender una lógica diferente a la de una canción tradicional.

La televisión tiene otros tiempos.

Otros objetivos.

Otra forma de pensar la música.

Muchas veces hay que producir una gran cantidad de material en poco tiempo.

Resolver pedidos específicos.

Adaptarse a una idea visual.

Entender lo que un director necesita, incluso cuando todavía no existe una referencia clara.

Ese entrenamiento fue fundamental.

Trabajar con directores y entender la imagen

Una parte muy importante de hacer música audiovisual es aprender a escuchar más allá de la música.

La imagen también cuenta una historia.

El director tiene una intención.

Una escena tiene un ritmo.

Un personaje tiene una emoción.

La música tiene que acompañar eso.

Durante esos años tuve la oportunidad de trabajar con distintos directores y equipos creativos, aprendiendo cómo piensan y qué necesitan de una pieza musical.

Ese intercambio fue formando mi criterio para entender que una banda sonora no se trata solamente de hacer una canción bonita.

Se trata de ayudar a contar una historia.

De las canciones a la narrativa audiovisual

Una canción puede existir por sí sola.

Pero la música para cine y televisión tiene una responsabilidad diferente.

A veces tiene que emocionar sin llamar la atención.

A veces tiene que generar tensión.

A veces tiene que desaparecer completamente para dejar espacio al diálogo.

La función de la música cambia según la escena.

Y aprender eso requiere experiencia.

El estudio como herramienta

Hoy muchas de estas producciones pueden realizarse desde un estudio independiente.

Con una computadora, buenas herramientas y un sistema de trabajo organizado es posible crear música original para distintos formatos.

Pero la tecnología solamente es una parte.

Lo más importante es poder entregar.

Cumplir tiempos.

Entender indicaciones.

Resolver problemas.

Ser confiable.

La responsabilidad detrás de aceptar un desafío

Creo que uno de los aprendizajes más grandes de este camino es que animarse también implica responsabilidad.

No alcanza con decir «sí, puedo hacerlo».

Hay que saber qué proceso vas a utilizar.

Cuánto tiempo necesitás.

Qué recursos tenés.

Cómo vas a entregar el material.

La confianza no viene de pensar que uno sabe todo.

Viene de conocer tu proceso y saber que podés llegar al resultado.

La oportunidad aparece cuando estás preparado

Mirando hacia atrás, muchas oportunidades llegaron por una combinación de factores.

Años creando música.

Años aprendiendo producción.

Años trabajando con medios.

Años construyendo relaciones.

Años desarrollando criterio.

El momento de la oportunidad no es el momento de empezar a prepararse.

La preparación ocurre mucho antes.

Y cuando finalmente aparece el desafío, solamente queda animarse a dar el siguiente paso.

También disponible en inglés.

We often think of mastering as the stage where everything finally «gets fixed.»

But the reality is different.

A good mastering starts from a good mix.

Before exporting your song and sending it to a mastering engineer, ask yourself these three questions.

1. Has my mix already gone through technical correction?

This is the first stage that, for me, should never be skipped.

Before thinking about the color or emotion of a mix, I try to confirm that everything works technically.

Questions I usually ask myself:

• Are the kick and bass balanced?
• Does the vocal sit in a clear space within the mix?
• Is the low end under control?
• Are the toms not generating more energy than the kick?
• Do the guitars and cymbals coexist without competing unnecessarily?
• Are there resonances, noises, or annoying frequencies I haven’t resolved yet?

At this stage I use both my ears and analyzers/meters to confirm the mix has a solid foundation.

I’m not looking for personality yet.

I’m looking for stability.

2. Have I already made all my creative decisions?

Once the mix works technically, it’s time to ask how you want the song to feel.

That’s where completely different decisions come in.

Maybe the vocal needs to sit more upfront.

Maybe the guitar solo deserves more spotlight.

Maybe the piano should recede a bit during the chorus.

Maybe an effect helps reinforce an emotion.

These decisions are part of the mix.

They shouldn’t be left for mastering.

Mastering doesn’t replace a song’s artistic direction.

3. Do I know how I want the final result to sound?

Before sending a mix, it’s also worth having a reference.

Not to copy another production.

But to communicate an intention.

Useful questions can be:

• Am I going for something very open and bright?
• Do I prefer something warmer and more contained?
• Do I want a sense of high energy or a more relaxed dynamic?
• What songs represent the result I have in mind?

A good reference helps the mastering engineer a lot to understand where you want to take the music.

One last detail: leave room to work

When you export the mix, don’t push it to the limit.

It’s better to leave dynamic headroom so the engineer can work comfortably.

A balanced mix, with enough space and without excessive processing, always offers better possibilities during mastering.

In summary

Before sending a song to mastering, ask yourself:

1. Is the mix technically balanced?
2. Have I already made all the creative decisions I wanted to make?
3. Do I have a clear reference for the result I’m looking for?

If you can answer «yes» to those three questions, it’s very likely that mastering can focus on what it’s actually meant to do: giving the final polish to a mix that’s already well built.

Because the best mastering isn’t the one that fixes a mix.

It’s the one that enhances a mix that already has a clear direction.

También disponible en español.